简化细节：不要试图绘制所有细节。专注于捕获事物的本质，并用最少的线条传达其形状和特征。(细化细节)

在绘画中，简化细节是指用更少的线条和形状来表现对象的本质，而不必绘制所有精细的细节。这种方法可以帮助艺术家更清楚地传达对象的形状和特征，并避免画面杂乱无章。

简化细节时，艺术家需要关注以下几个方面：

• 形状：确定对象的整体形状，并用简单的几何形体来表现。
• 特征：找出对象的特征性特征，如五官、纹理、颜色等。
• 光影：利用光影的变化来营造立体感和空间感。

下面是一些简化细节的技巧：

• 删除不必要的细节：仔细观察对象，找出哪些细节是必要的，哪些是可以舍弃的。
• 使用简单的线条：用流畅、简洁的线条来勾勒对象的形状和特征。
• 强调对比：利用对比鲜明的颜色、亮度或纹理来突出对象的特征。
• 考虑负空间：留出空白区域来平衡画面，并突出对象的形状和结构。

简化细节是一种强大的技术，可以帮助艺术家创作出既简洁又有表现力的作品。通过练习，艺术家可以掌握这种方法，并用最少的线条传达复杂的对象和场景。

下面是一些简化细节的例子：

• 一幅简化后的肖像画，只用几条线条勾勒出面部特征。
• 一幅简化后的风景画，用简单的几何形体表现山丘、树木和云朵。
• 一幅简化后的静物画，用基本的形状表现水果、盘子和其他物品。

这些示例表明，通过简化细节，艺术家可以捕捉对象的本质，并创作出具有独特表现力的作品。

简化细节是一种有用的技术，可以帮助艺术家创作出更简洁、更有表现力的作品。通过专注于对象的形状，特征和光影，艺术家可以用最少的线条传达复杂的对象和场景。掌握这种方法需要练习和观察，但一旦熟练掌握，它将成为艺术家宝贵的工具。

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新古典是指资本主义初期最先出现在文化上的一种思潮,在建筑和设计史上指18世纪60年代开始在欧美盛行的古典形式。

18世纪前的欧洲,巴洛克和洛可可风格盛行一时,其繁琐的装饰与贵金属的镶嵌逐渐引起了人们的厌恶。

在探求新的设计风格的过程中,希腊、罗马的古典建筑成了当时的创作源泉。

1750年,罗马庞贝遗址被发掘,在欧洲引起了研究古典艺术的热潮,人们认识到古典艺术质量远远超过巴洛克与洛可可,促成了新古典的产生与流行。

新古典追求古典风格和简洁、典雅、节制的品质以及“高贵的纯朴和壮穆的宏伟”。

在建筑上追求建筑物体形的单纯、独立和完整,细节的朴实,形式的符合结构逻辑,并且减少纯装饰性的构件,显示了人们对于理性的向往。

新古典在各国的发展虽然有共同之处,但多少也有些差异,大体上在法国是以罗马式样为主,而在英国、德国则是希腊式样较多。

新古典风格也体现于当时的产品上,其特点是放弃了洛可可过分矫饰的曲线和华丽的装饰,追求合理的结构和简洁的形式,构件和细部装饰喜用古典建筑式的部件。

英国新古典家具的成就很大,其中涌现了一大批优秀的设计师,他们长于设计朴素、实用的形式，其设计出来的产品成为了现代家具设计的先声。

折衷主义 在19世纪,一个更为直接和严峻的问题是风格上的折衷主义。

所谓折衷主义就是任意模仿历史上的各种风格,或自由组合各种式样而不拘泥于某种特定风格,所以也被称为“集仿主义”。

随着生产的商品化,需要用丰富多彩的式样来满足和刺激市场,于是希腊、罗马、拜占庭、中世纪、文艺复兴的情调杂然并存,汇为奇观。

同时,19世纪的交通已很便利,考古学大为发达,加上摄影术的发明,帮助人们认识和掌握了古代遗产,以致有可能对各种式样进行拼凑与模仿。

工艺美术运动(Arts and Crafts Movement) 现代工业设计的先导。

说它是一次运动,是因其影响波及面大,具有国际意义。

18世纪从英国开始的工业革命,使机械产品渗透到人类生活的各个方面。

与过去手工制造的产品相比,呈现明显机械化特性:有些产品的造型和装饰设计,仍照搬传统手工业产品的样式,使难于应付复杂形式的机器产品比过去用长时间精雕细琢的手工业产品显得粗糙低劣;有些产品因按照机械生产的特点重新设计,其单纯简洁的样式,却使许多认为只有花样繁琐的传统样式才代表精致完美的消费者难以接受。

因此,非常不成熟的工艺美术设计,面临着新旧过渡时期的困难。

以英国诗人、文艺批评家拉斯金和画家、工艺美术设计家莫里斯为代表的传统派,一面在理论上展开了批评和宣传,一面积极致力于设计实践。

他们不满当时机械化产品的粗糙、简陋,认为真正的工艺产品应该既实用又美观,企图恢复中世纪传统作坊生产的手工产品的标准的手工技艺和完美而精致的设计。

为此,莫里斯建立了自己的染织作坊,亲自设计并以手工制作各种织物、壁纸、地毯和家具等。

其设计在否定当时机械化样式缺少曲线变化的前提下,运用了自然界有机物(如花草)的形式,并加以变形,使装饰纹样呈现出变化丰富的曲线,富有生机和运动感。

它们和曾经风靡欧洲、有强烈装饰感的巴洛克和罗可可(见巴洛克、罗可可)的曲线风格有千丝万缕的联系。

这种风格很快在建筑造型、室内装饰、园林艺术、书籍装帧等各种工艺美术设计中表现出来,并影响了整个欧洲设计界。

拉斯金和莫里斯的言行使其走进一个具有历史意义的怪圈:他们从审美角度反对工业化时代生活用品的机械生产及其造型样式,但他们号召人们把生活用品的设计与其功能相结合,并身体力行。

因此,实际上是在引导人们对产品(不论是手工还是机器产品)设计与其功能的关系予以特别重视,指出了正确的设计方向,极大地推动了工业产品设计这一新生事物的发展。

新艺术运动(Art Nouveau) 是工艺美术运动在法国的继续深化和发展。

法国设计师兼艺术品商人萨穆尔·宾于1895年在巴黎开设了设计事务所“新艺术之家”,并与一些同行朋友合作,决心改变产品设计现状。

他们推崇艺术与技术紧密结合的设计,推崇精工制作的手工艺,要求设计、制作出的产品美观实用,他们对建筑、家具、室内装潢、日用品、服装、书籍装帧、插图、海报等进行全面设计,力求创造一种新的时代风格。

他们在形式设计上的口号是“回归自然”,以植物、花卉和昆虫等自然事物作为装饰图案的素材,但又不完全写实,多以象征有机形态的抽象曲线作为装饰纹样,呈现出曲线错综复杂、富于动感韵律、细腻而优雅的审美情趣。

在1900年的巴黎国际博览会上,法国设计师的精美作品引起世界广泛关注,在欧美各国引起广泛响应,并使“新艺术之家”的名称不胫而走,故以“新艺术”命名其运动。

所以,法国自然成为新艺术运动的发源地和中心。

法国新艺术运动的主要作品有:吉玛德设计的巴黎地铁入口;穆卡设计的海报;盖拉德在1900年的巴黎国际博览会上展出的设计作品《新艺术室》;盖勒设计的细木镶嵌家具;查普列特设计的华美瓷器等。

还有些平面设计家为商业所做的广告设计,在视觉传达领域的探索中迈出了第一步。

法国设计师不仅通过报刊宣传其主张,还直接向社会推销他们自己设计制作的新艺术风格的各种产品,创办设计专门学校,推广设计教育,如盖勒所创办的南希工业艺术联盟学校。

小城南希是巴黎之外又一个法国新艺术运动的中心,两地的设计形式各具特色,互相影响。

在法国新艺术运动中还涌现出许多成绩卓著的设计团体,如新艺术之家、现代之家、六人集团等,以六人集团的成绩最为突出。

这使法国的新艺术运动色彩纷呈。

1925年左右,法国的新艺术运动逐渐被装饰艺术运动取代。

维也纳分离派(Vienna Secession 1897-1915) 在奥地利新艺术运动一中产生的著名的艺术家组织。

1897年,在奥地利首都维也纳的一批艺术家、建筑家和设计师声称要与传统的美学观决裂、与正统的学院派艺术分道扬镳,故自称分离派。

其口号是“为时代的艺术–艺术应得的自由”。

在设计方面,其重视功能的思想、几何形式与有机形式相结合的造型和装饰设计,表现出与欧美各国的新艺术运动相一致的时代特征而又独具特色。

他们大胆实践,定期举办展览,并在1900年出版了设计期刊《室内》,在欧洲颇有影响。

其代表人物有画家克里姆特;建筑家和设计师瓦格纳、霍夫曼、奥布里奇、莫塞等人。

其中克里姆特和霍夫曼最负盛名。

瓦格纳则是霍夫曼等人的老师,其设计思想与建筑风格在19世纪80年代已表现出与装饰主义的分流,故被称为分离派运动之父。

1895年他在《现代建筑》一书中阐述了新时代建筑应具备的形式。

他设计的卡尔斯帕拉兹车站,具有简洁的方形造型和新艺主术运动风格的装饰细节,是分离派的早期佳作。

画家克里姆特是分离派组织的第一任主席,被誉为“奥地利最伟大的画家”。

他创作了大量崖壁画,其形式与室内设计高度和谐。

他打破传统的绘画形式,以金属般绚丽辉煌的色彩和一维平面效果,运用富有象征意义的形式语言,表现出强烈的华丽风格与工艺化的精美,呈现强烈的装饰性。

其代表作有绘画《吻》、壁画《哲学》、《法学》、《贝多芬雕像装饰壁画》等。

1903年,霍夫曼在银行家支持下,在魏恩市组织了维也纳工作同盟。

他和莫塞担任艺术指导,从事家具、室内金属器皿的设计,并由同盟的作坊进行生产。

其产品造型呈几何形态,很少装饰,力求艺术与技术完美结合,体现产品的实用性。

霍夫曼在设计中表现出与普遍的曲线风格不同的直线风格,更加接近现代设计。

他的由纵横直线构成的洗练的方格网装饰特征,成为象征分离派设计风格的鲜明符号。

1904-1910年,他承担了布鲁塞尔郊区斯托克列宫的建筑设计。

其方形的造型单纯、严谨,室内空间宽敞、墙面平直,是其最重要的代表作。

室内陈设、餐厅的大型壁画则由克里姆特设计制作。

壁画中图案化的人物形象和装饰花纹,是用玻璃、马赛克、珐琅、金属、廉价宝石镶嵌而成,华美异常,使斯托克列宫成为集分离派之大成的佳作。

其他人的创作也成就颇丰,各具特色。

奥布里奇设计的维也纳分离派之家,把单纯明确的几何造型与典型新艺术风格的枝蔓缠绕的花草装饰结合得浑然一体,是分离派代表作之一。

莫塞的平面设计成就最大,其美学观点比其他人更加前卫与理性化。

其书籍装帧、插图、印染、邮票等方面的设计,多以黑白色为主,明快、大方,更接近现代主义风格。

维也纳分离派运动独树一帜,在设计中加进了新艺术运动风格中较少见的直线和简洁的几何造型,特别注重产品的功能,体现出欧洲设计从摆脱传统到走向现代的过渡风格,影响深远。

德意志制造联盟(Deutscher Werkbund) 德国第一个设计组织,1907年成立,是德国现代主义设计的基石。

它在理论与实践上都为20世纪20年代欧洲现代主义设计运动的兴起和发展奠定了基础。

其创始人有德国著名外交家、艺术教育改革家和设计理论家穆特休斯、现代设计先驱贝伦斯、著名设计师威尔德等人。

其基地设在德累斯顿郊区赫拉劳。

其宗旨是通过艺术、工业和手工艺的结合,提高德国设计水平,设计出优良产品。

同盟认为设计的目的是人而不是物,工业设计师是社会的公仆,而不是以自我表现为目的的艺术家,在肯定机械化生产的前提下,把批量生产和产品标准化作为设计的基本要求。

它努力向社会各界推广工业设计思想,介绍先进设计成果,促进各界领导人支持设计的发展,以推进德国经济和民族文化素养的提高。

它表明德国在工业设计方面已进入一个新阶段,处于世界领先地位。

同盟中的设计师在实践中不断取得前所未有的成就。

1912-1919年,同盟出版的年鉴先后介绍了贝伦斯为德国电器联营公司设计的厂房及其一系列产品:格罗佩乌斯为同盟设计的行政与办公大楼、幕墙式的法格斯鞋楦厂房、陶特为科隆大展设计的玻璃宫;纽曼的商业化汽车设计等,都具有明显的现代主义风格。

尤其是对1914年科隆大展的展品介绍,更令人耳目一新。

年鉴还及时向人们展示国际工业技术发展新动态,如美国福特汽车公司首创的装配流水线。

年鉴还发表不同观点的理论文章,让人们在争论中求得真理。

1914年,同盟内部发生了设计界理论权威穆特休斯和著名设计师威尔德关于标准化问题的论战,前者以有力的论证说明:现代工业设计必须建立在大工业文明的基础上,而批量生产的机械产品必然要采取标准化的生产方式,在此前提下才能谈及风格和趣味问题。

这次论战是现代工业设计史上第一次具有国际影响的论战,是德国工业同盟所有活动中最重要、影响最深远的事件。

第一次世界大战使其活动中断。

但它所确立的设计理论和原则,为德国和世界的现代主义设计奠定了基础。

风格派（De Stiji） 荷兰现代主义设计运动，产生于20世纪初,是早期国际现代主义设计运动的重要组成部分。

风格派本源于荷兰绘画艺术风格(见风格派),但它对设计界的影响巨大,设计界的风格派被看做是现代主义设计中的重要表现形态之一。

因风格派创始人、画家蒙德里安曾以“新造型主义”(Neo-plasticism)为题发表论文,以新造型主义来形容其创作风格,故人们又把风格派称为新造型主义。

其设计的代表作有《风格》杂志的封面设计和斯拉拉斯堡的奥伯蒂咖啡馆的室内设计:里特维尔德设计的施罗德住宅、红蓝椅子:奥德设计的乌尼咖啡馆等。

风格派画家蒙德里安和杜斯伯格有关风格派的理论著述,是风格派设计的理论依据。

对于设计界来说,新造型主义这一名称尤为贴切。

风格派主张从理性出发,用抽象的几何结构来表达宇审和自然的普遍的和谐与秩序,探索被事物的外貌所掩盖的规律,这些规律表现了科学理论、机械生产和现代城市的本质和节奏。

其设计界的主要代表人物有设计师里特维德、建筑师奥德等人。

他们主张把纯艺术的风格派原则运用在建筑、家具、其他产品和平面设计中,渗透世界,以创造新的世界秩序。

他们注重使用和表现新材料、新技术,指出建筑的空间是由功能与和谐两个方面构成,其外观是由其内部空间决定的。

他们把风格派绘画艺术的极其简洁有序的造型、色彩和线条的形态,应用到建筑、服装、家具等方面的设计中,并设计了新的字体和非对称均衡的印刷版面。

风格派设计所强调的艺术与科学紧密结合的思想和结构第一的原则,为以包豪斯为代表的国际现代主义设计运动奠定了思想基础。

风格派设计的代表有《风格》杂志的封面设计和斯拉拉斯堡的奥伯蒂咖啡馆的室内设计；里特维尔德设计的施罗德住宅、红蓝椅子；奥德设计的乌尼咖啡馆等。

风格派画家蒙德里安和杜斯伯格有关风格派的理论著述也是风格派设计的理论依据。

构成主义(Constructivism) 由俄国艺术家马勒维奇和塔特林等人在前苏联十月革命后提出的一种艺术理论。

在1920年发表的《构成主义原理》中指出,空间只能在其深度上由内向外地塑造,而不是用体积由外向内塑造;造型应注重立体结构;具有形体的材料作为表现因素,每一根线条都应表现事物的内在力量;同时应把时间作为一个要素引入造型之中。

塔特林在第三国际纪念塔模型(1919)中,突出表现了对空间结构的塑造,他注重技术与艺术的融合,使造型艺术走向了设计的范畴。

在标准型多功能家具的设计、折叠型家具等的设计中,都曾应用了构成主义的手法,体现了形态上的简化和经济节约的特点。

在广告和图形设计领域,构成主义与荷兰风格主义相呼应,体现了几何形体及空间转换的构思效果,在国际上产生了一定影响。

包豪斯(Bauhaus) 1919年4月1日在德国魏马成立的一所设计学院,是世界上第一所为培养现代设计人才而建立的学院。

虽然仅存14年,但对德国乃至世界的现代设计及其教育的影响不可估量。

它在理论和实践上奠定了现代设计教育体系,培养出大批优秀的设计人才,成为20世纪初欧洲现代主义设计运动的发源地。

包豪斯经历了两个主要发展阶段:①魏马时期(1919一1924),②德骚时期(1925-1933),其名称根据学院所在地而来。

格罗佩乌斯(1919-1927年任职)是其创立者和第一任校长。

第二任校长是迈耶(1927-1930年任职)。

第三任校长是凡德洛(1931一1933年任职)。

他们都是当时德国著名建筑师、现代主义设计的先驱,对包豪斯的贡献极大。

20世纪初,在大工业迅速发展的推动下,欧洲各国的现代主义设计运动方兴未艾。

格罗佩乌斯敏锐地意识到:应该建立新型的、专门的设计学院,以培养工业社会所需要的设计人才。

他一再向政府提出创办以建筑设计为中心的设计专门学校的建议,1919年魏马政府表示同意,在合并魏马美术学院和魏马工艺学校的基础上,成立了包豪斯学院。

其德文全称为“Des Staatliches Bauhaus”,即“国立包豪斯”。

格罗佩乌斯把德文的建筑(bau)和房子(haus)两词合一而创造了“Bauhaus”(包豪斯),含意是新型的建筑设计体系,但其设计教育内容包括了以建筑为中心的所有工业设计。

格罗佩乌斯亲自拟定了《包豪斯宣言》,确定其设计宗旨“艺术与技术的统一”。

包豪斯在实践中探索,确立了现代设计的基本观点和教育方向:①设计的目的是人而不是产品。

②设计必须遵循客观、自然的法则。

其教育体系、设计理论与设计风格在实践中逐渐成熟、完善。

包豪斯的主要教学内容是由艺术和技术构成。

其早期的教学体制可称为“工厂学徒制”,学生的身份是“学徒工”,担任艺术形式课程的教师称“形式导师”,担任技术、手工艺制作课程的教师称“工作室师傅”,每一门课都由这两种教师共同担负,学校还设立了木工、陶瓷、编织和印刷工作室,供学生实习,使其兼具艺术和技术能力。

包豪斯最重要的成就之一是奠定了设计教育中平面构成、立体构成与色彩构成的基础教育体系,并以科学、严谨的理论为依据。

1923年8-9月间,包豪斯举办了名为“艺术与技术的新统一”的大型展览会。

师生的作品吸引了欧洲著名的艺术家与设计师,从而进行了各种学术交流活动,宣传了包豪斯的设计思想,并将欧洲现代主义设计运动推向高潮。

当时,格罗佩乌斯作了题为“论综合艺术”的演讲并发送其著作《包豪斯的设想与组织》。

其后,他在教学上又作了较大改革,把数学、物理、化学作为必修课,使教学体系向着更加理性和科学化的方向发展,更加适应大工业生产的需要。

由于右翼政治势力的迫害,1925年3月,包豪斯迁至德骚市,开始其发展的第二阶段。

1926年,其校名又加上“设计学院”的附名,进一步明确了学校的性质。

教学不再由形式导师和工作室师傅共同进行,而是聘请技术熟练的工匠协助教授工作。

德骚包豪斯的教授以本院毕业生为主,如拜耶等人。

1925年,该校刊物《包豪斯》出版。

1927年,成立建筑系,瑞士著名建筑师迈耶任系主任。

这是包豪斯的鼎盛时期。

1928年2月,格罗佩乌斯辞职并推荐迈耶担任校长。

他进行了大规模改革,加强了建筑系的课程,成立了音乐系,增设了摄影专业,并增加了社会学课程,提倡学生积极与社会联系。

其进步的政治立场引起当局不满,1930年他被迫辞职。

在格罗佩乌斯的推荐下,德国著名建筑师凡德洛出任第三任校长。

他继续推行改革,完善以建筑设计为中心的教育体系,并努力使学院实现非政治化。

1932年,在纳粹冲人学校大肆破坏后,学校被迫关闭并迁至柏林,以“包豪斯·独立教育与研究学院”命名,在一座废弃的电话公司里继续教学。

1933年1月希特勒上台,4月,由当时的文化部下令关闭包豪斯并由纳粹军警强行占领学校,8月10日,凡德洛宣布包豪斯永久解散。

包豪斯是现代设计的摇篮,其所提倡和实践的功能化、理性化和单纯、简洁、以几何造型为主的工业化设计风格,被视为现代主义设计的经典风格,对20世纪的设计产生了不可磨灭的影响。

现代主义设计运动 以工业设计为主的现代设计革新运动于20世纪初至30年代席卷欧美。

它是在现代科学技术革命的推动下展开的,以大工业生产为基础并服务于整个工业社会。

它在理论与实践方面都取得了丰硕成果,使人的生存环境发生了巨大变化,也使人们的消费要求和审美趣味发生了根本性改变。

运动中涌现出一批具有民主思想、充分肯定工业社会大机器生产、赞赏新技术、新材料的工业设计的先驱人物。

面对时代的挑战,他们提出了功能主义的设计原则,提倡科学的理性设计并创立了新时代的设计美学–机械美学。

其所设计的简洁、质朴、实用、方便的全新产品,确立了现代主义设计的形式与风格,标志着产品设计进入现代工业化设计的时代。

工业设计开始成为一门独立的学科,成为推动社会经济发展的重要杠杆。

独立的设计教育体系也出现了,并在实践中逐步完善。

在欧美各国,现代主义设计运动的发展各具特色。

德意志制造联盟的成立、包豪斯的建立与发展、斯堪的纳维亚国家功能主义设计风格的确立、各国专职工业设计师的出现等等,表示现代主义设计形态已趋成熟。

卓越的建筑师、设计师格罗佩乌斯、科布西耶、凡德洛、赖特等人奠定了现代主义设计的实践和理论基础。

他们提出一系列新的设计思想及其原则,对推动欧美及世界的现代设计具有重要意义。

格罗佩乌斯是最早在设计理论上有全面建树的设计师。

他明确指出:“应该强调机械对于工业设计奠定决定作用。

”他认为必须贯彻功能第一、形式第二的设计原则,设计应该“能够从实际方面完全达到自身的功能目的”,这样设计的产品才是可以应用、信赖、造价低廉和经济有效的。

他认为20世纪的设计必须具有鲜明的时代特色,反对装饰和复古主义。

他对美学风格的看法作过极具哲理性的阐述:“美的观念随着思想和技术的进步而改变。

谁要是以为自己发现了‘永恒的美’,他就一定会陷于模仿和停滞不前,真正的传统是不断前进的产物。

它的本质是运动的,不是静止的,传统应该推动人们不断前进。

”科布西耶是机械美学的创立者,他赞赏飞机、汽车、轮船的设计,因为这些设计没有受到任何传统的束缚,完全是按照功能与技术的要求设计的,是全新的工业产品形式。

他认为大工业社会的任何产品,都是某种意义上的机器。

他赞美单纯、清晰的几何体。

他说:“按公式工作的工程师使用几何形体,用几何学来满足我们的眼睛,用数学来满足我们的理智,他们的工作简直就是良好的艺术。

”他主张设计应表现简洁、秩序、逻辑的理性美,应表现出对象本身的直线、比例、空间、体量的美,而不要有附加装饰。

凡德洛也强调时代风格,主张设计的现实和功能意义,主张采用机械化、批量化的生产方式。

赖特亦强调功能,同时提出“有机建筑”的观点,认为建筑设计应考虑其与环境的和谐、对建筑空间的有机安排与调度、自然材料与工业材料的不同表现力及两者的协调性等。

现代派美术对现代主义设计有直接影响。

许多现代派艺术家及积极投身到设计及其教育领域,如杜斯伯格、里特维特、康定斯基、克利、伊顿、纳吉等人。

有些人在世界第一所设计学院包豪斯任教期间,对现代设计教育体系的形成及其基础课的建设作出巨大贡献。

1923年在德国魏马举行的包豪斯作品展,向世界展示了其成就,使其成为世界性的设计、设计教育和设计理论研究中心。

1925-1927年,德国包豪斯的教学体系己趋成熟,各方面工作走上正轨,师生设计成果达到新水平,使现代主义设计运动从尝试阶段进入系统化、科学化的成熟阶段,经受了时代的考验。

20世纪30年代初,由于经济不景气和德国纳粹政权的压制,现代主义设计开始在欧洲衰弱。

1937年后,随着包豪斯大批精英移居美国,使欧洲现代主义设计风格融入美国设计体系,在美国雄厚的经济实力的依托下,现代主义设计运动以美国为中心继续开展,形成国际现代主义设计风格。

二战后直到70年代,国际现代主义设计思想、原则和风格影响了整个世界。

20世纪80年代,后现代主义艺术和设计思潮兴起,但现代主义的许多设计原则仍然适用,并将随着时代的发展,成为世界设计传统精华的一部分。

装饰艺术运动(Art Deco) 19世纪20–30年代的欧美设计革新运动。

在大工业迅速发展、商业日益繁荣的形势推动下,欧美的工业设计逐渐走向成熟。

仍然经常留恋手工业生产的新艺术设计运动,己不能适应普遍的机械化生产的要求。

以法国为首的各国设计师,纷纷站在新的高度肯定机械生产,对采用新材料、新技术的现代建筑和各种工业产品的形式美和装饰美进行新的探索,其涉及的范围主要包括对建筑、家具、陶瓷、玻璃、纺织、服装、首饰等方面的设计,力求在维护机械化生产的前提下,使工业产品更加美化。

巴黎是装饰艺术运动的发源地和中心,1925年在巴黎举办了装饰艺术展,装饰艺术运动因此得名并在欧美各国掀起热潮。

它受到新兴的现代派美术、俄国芭蕾舞的舞台美术、汽车工业及大众文化等多方面影响,设计形式呈现多样化,但仍具有统一风格,如注重表现材料的质感与光泽;在造型设计中多采用几何形状或用折线进行装饰;在色彩设计中强调运用鲜艳的纯色、对比色和金属色,造成强烈、华美的视觉印象。

在法国,装饰艺术运动使法国的服饰与首饰设计获得很大发展,平面设计中的海报和广告设计也达到很高水平。

格雷(Eileen Gray)的室内和家具设计,把富有东方情调的豪华装饰材料与结构清晰的钢管家具完美结合。

在美国,装饰艺术运动受到百老汇歌舞、爵士音乐、好莱坞电影等大众文化的影响,同时受到蓬勃发展的汽车工业和浓厚的商业氛围的影响,形成独具特色的美国装饰风格和追求形式表现的商业设计风格,它们从纽约开始,逐渐从东海岸扩展到西海岸,并衍生出好莱坞风格。

尤其在建筑、室内、家具、装饰绘画等方面表现突出。

纽约的帝国大厦和洛克菲勒大厦,在整体外观、室内、壁画、家具和餐具等方面的设计,都表现了典型的美国装饰艺术风格。

位于洛杉矶的可口可乐公司大厦,其建筑设计表现出汽车式的流线型形态。

美国装饰风格20世纪30年代传至欧洲,使欧洲的装饰艺术风格更加丰富。

在英国,装饰艺术风格始于19世纪20年代末,突出表现在大型公共场所的室内设计和大众化的商品(肥皂盒、爽身粉盒等)包装上。

伦敦的克拉里奇饭店的房间、宴会厅、走廊和阳台,奥迪安电影连锁公司兴建的大量电影院等,表现出英国装饰艺术风格与好莱坞风格的结合。

装饰艺术运动中表现出的东西方艺术样式的结合、人情味与机械美的结合等内涵,在20世纪80年代,重新受到了后现代主义设计师的重视。

斯堪的纳维亚设计 斯堪的纳维亚设计风格指的是20世纪30~50年代流行于国际的一种设计风格，以丹麦、瑞典、芬兰、挪威等北欧国家的设计为代表。

早在1930年的斯德哥尔摩博览会上,斯堪的纳维亚设计就将德国严谨的功能主义与本土手工艺传统中的人文主义融会在一起。

就风格而言,斯堪的纳维亚设计是功能主义的,但又不像20世纪30年代那样严格和教条。

几何形式被柔化了,边角被光顺成S形曲线或波浪线,常常被描述为“有机形”,使形式更富人性和生气。

20世纪40年代为了体现民族特色而产生的怀旧感,常常表现出乡野的质朴,推动了这种柔化的趋势。

早期功能主义所推崇的原色也为20世纪40年代渐次调和的色彩所取代,更为粗糙的质感和天然的材料受到设计师们的喜爱。

50年代斯堪的纳维亚设计盛极一时，其朴素而有机的形态及自然的色彩和质感在国际上大受欢迎，成为了当时欧美最流行的一种设计风格。

流线型风格(Streamlining) 流线型原是空气动力学名词,用来描述表面圆滑、线条流畅的物体形状,这种形状能减少物体在高速运动时的风阻。

但在工业设计中,它却成了一种象征速度和时代精神的造型语言而广为流传,不但发展成了一种时尚的汽车美学,而且还渗入到家用产品的领域中,影响了从电熨斗、烤面包机到电冰箱等的外观设计,并形成为20世纪30~40年代最流行的产品风格。

在最具商业气息的环境中产生的美国流线型风格正是给现代主义的清高以巨大冲击。

流线型在实质上是一种外在的“样式设计”,它反映了两次世界大战之间美国人对设计的态度,即把产品的外观造型作为促进销售的重要手段。

为了达到这个目标,就必须寻找一种迎合大众趣味的风格,流线型由此应运而生。

而大萧条期间产生的激烈的商业竞争,又把流线型风格推向,

浅谈深泽直人的极简主义设计哲学

浅谈深泽直人的极简主义设计哲学

无论在学习或是工作中，大家都接触过论文吧，论文是我们对某个问题进行深入研究的文章。

怎么写论文才能避免踩雷呢？下面是我帮大家整理的浅谈深泽直人的极简主义设计哲学，仅供参考，大家一起来看看吧。

极简主义的产品注重以单一的纯粹材料和形式，人性化的细节，全面的功能打动人心。

深泽直人是日本著名的产品设计师，其在设计领域的地位可与原研哉，隈研吾相提并论，他的设计生涯十分辉煌。

摘要： 本文从极简主义产品设计风格成为大势所趋的背景出发，结合具体的产品范例。

仔细分析日本产品设计大师深泽直人的设计风格，主要从产品外形特点以及设计产品时所秉持的理念这两个方面着手，对深泽直人独特的设计风格进行总结和概括。

关键词：极简主义;深泽直人;无意识

极简主义是20世纪60年代兴起的一个艺术派系，其外在特征主要表现在形式，构图以及材料的简化与纯粹，它提倡剥离艺术家创作时的情感表现，用冷静客观的处理方式为观众留下更广阔的联想空间。

极简主义涉及绘画，雕塑，产品设计等众多的艺术领域，但是其绘画以及雕塑作品的影响力并不突出，相反在传统艺术派系不太注重的产品设计领域，反而有较大的发展潜力。

一、极简主义设计风格盛行的原因

极简主义的产品注重以单一的纯粹材料和形式，人性化的细节，全面的功能打动人心。

目前市场上的高端产品大多奉行极简主义的设计，例如苹果手机，香奈儿的服装，爱马仕包包。

其实，极简主义设计风格成为大势所趋是有其深刻的原因的。

首先，源自人们的心理需求,在极简主义之前的设计风格例如欧式风格，中式风格等主要崇尚的是精致，繁琐的美。

这种风格虽有其可取之处，但是时间长了，繁琐的堆砌会在视觉上对人们产生压迫，进而就会审美疲劳，渴望回归简单，纯真的世界，因此人们会把目光转向极简主义的设计风格。

其次在于极简主义设计风格本身存在的意义，存在即合理，极简主义的意义就在于它为设计提供了一种新的选择，一个新的视角。

设计风格之所以能不断进步就在于不断地创新，不断的注入新的活力。

当然极简主义也不是无时无刻都适用的，如果真的长时间深入各行各业，它看似单调的风格又会被人们厌倦.但是在当前，这种设计风格还是很容易为大众所接受的。

二、极简主义风格的杰出代表深泽直人

那么说到杰出的极简主义风格设计师，就不得不说一下深泽直人了。

深泽直人是日本著名的产品设计师，其在设计领域的地位可与原研哉，隈研吾相提并论，他的设计生涯十分辉煌。

他是典型的能把日本特色的设计风格与国际风格完美结合的代表人物。

曾获得过红点，日本优秀设计奖等多项大奖，曾与苹果，无印良品等多个品牌合作过，并且创立了一个新的产品品牌“±0”，他的设计主张就是用最少的元素来展现产品全部的功能。

下面将列举具体的作品，通过仔细的分析和鉴赏，来更好的理解深泽直人的设计哲学。

如上图所示，这是深泽直人设计的一种饮料外包装，这一系列果汁皮的饮料包装最大的特色就在于它逼真的模仿了香蕉，草莓，猕猴桃等水果外壳的形状，颜色，和触感。

香蕉包装侧面上还有一个类似于香蕉茎的小接口，草莓表皮上的小颗粒和猕猴桃表皮上的细绒毛都做得栩栩如生。

这都是采用一种新型的加工方式制作的。

这种外包装可以给顾客带来一目了然的感觉，逼真的设计似乎同时打开了顾客的视觉，触觉与嗅觉，让顾客很快速的了解不同外包装对应的不同的果汁类型，同时这种外包装非常的醒目，它寓意它的果汁是包裹在果皮里的，突出了该品牌果汁的新鲜，健康，很容易在众多产品之中脱颖而出，具有十足的创意性和趣味性，引起大家的兴趣。

如上图所示，这是深泽直人设计的一款加热器，外形的线条简洁圆润，体量较小，色泽艳丽，像正午火辣辣的太阳，又像一串鲜嫩欲滴的红辣椒。

其实，整个设计最突出的就是加热器表层上的一片细小的红色绒毛，这种材质的运用引发了人们的强烈的触觉感受。

温暖的绒毛弱化了冰冷的机器所带来的疏离感，火红的颜色又与加热器的功能遥相呼应。

三、深泽直人的设计特点

上面几款产品都是深泽直人比较具有代表性的作品，从上面几个产品，我们可以大致了解了深泽直人的设计风格，其实对于深泽直人的设计，我们不仅要看到他的显而易见表面的设计的特点，更要看到他深层次的一种设计哲学，设计理念。

1)深泽直人的产品设计有一个非常突出的特点：简洁。

外形往往是简单的几合体，颜色也以纯色为主，且多采用暖色调，线条的衔接利落流畅，让人赏心悦目。

但是简洁并不意味着平淡，他的简洁实际上是对事物本质的关注。

事物的本质是纯粹的，唯一的，该是什么样子，就应该是什么样子。

没必要为了追求标新立异的外表而改变生活用品最本质的面貌。

其实现在市场上的很多设计师都存在这样的问题，仅仅是为了追求产品独特的外表，非要把产品凹成奇奇怪怪的形状，或是附加上一堆华而不实的繁琐的装饰物，改变了物能够带给人的最舒服的状态，也硬生生的改变人们习惯的生活方式，这种哗众取宠设计理念实际上是很幼稚的。

深泽直人这种简洁的设计风格解开了奢华繁琐的事物给人们带上的枷锁，使人们又重新回归到一种舒缓，愉悦的节奏当中。

这种简洁并不等于粗糙的简陋，其实通过对上面几件产品的欣赏我们也感受到了深泽直人的风格是简洁但优雅的。

这种风格似乎是很多日本设计师都得心应手的。

它抽去了一切不必要的，累赘的设计，但是这种取舍是建立在完美发挥物品的功能的基础上的，不是随意剪裁的。

麻雀虽小，五脏俱全。

那些看似极度简约的线条和形状其背后包含着深层复杂的思考及精准的计算有时为了达到对简约质朴的精神追求甚至不惜费时耗料以实现形式与功能设计与素材物质与精神的精确平衡。

深泽直人关注每一个细节，力求达到完美，也体现了一种对人性的关怀。

冷漠的产品终究是很难打动顾客的。

深泽直人的简洁不同于密斯凡德罗那种一味地追求简单的形式甚至不惜牺牲功能的刻板风格，也不同于功能主义那种只重视产品功能的发挥而完全不在意外表美观的粗糙风格。

这种风格是在日本传统审美趣味的滋养下生长出来的。

简洁不意味着单调，其毫无侵略性的形式反而留给观众更自由，更广阔的发挥空间。

深泽直人用自己简洁却优雅的独特风格打动了都市人的心。

2)深泽直人在设计时还特别注意多种感官的混合开发，例如上面介绍过的著名的果汁包装系列，不仅用鲜艳的色彩调动了人的视觉关注，同时逼真的草莓颗粒以及猕猴桃绒毛的镶嵌使得外包装的触感更加强烈，这就是观众在欣赏的时候同时调动了视觉和触觉，印象更加深刻。

深泽直人注重不加掩饰的表现物品原材料本身具有的质感。

在现在这个“热媒介”时代，设计师在设计产品是也要抛弃过去那种只在视觉表现上下功夫的落后的设计理念，应当结合多种感觉表现，充分调动观众的感官，为他们创造一个立体的，全面的产品体验过程。

3)深泽直人的设计风格之所以独树一帜，不仅仅在于其突出的产品外形设计特点，还在于其独特的设计哲学。

深泽直人多次在公开场合强调自己的设计是一种无意识的设计，无意识其实就一种隐藏在人们内心深处的，还没有认识到的意识形态。

人们在日常生活中常常会有一些无意识的举动。

深泽直人是这样解释无意识行为的：“在没有放雨伞的地方，几乎所有的人都会把雨伞往墙上一靠，而雨伞的另一头就放在瓷砖与瓷砖之间的缝隙中。

这种情况下，比如你造一座新房子的时候，要设计放雨伞的东西，你不需要把这个地方设计成平常的专门放雨伞的一个空间。

你只要在地上开一条缝，当你家来客人的时候，他就会把雨伞往那儿一放。

这个无意识的动作，实际上设计者的目的就达到了，达到放雨伞的功能。

”深泽直人认为设计师应该关注人们内心深处的无意识的需求，设计出来的产品迎合这无意识的需求，能够让人们可以自然的，纯熟的使用产品，而不需要说明书，这才是最让人放松的设计。

那么，其实就我理解，无意识设计应该就是一种对人性的关怀，就是不光要考虑到人们常规的需要，还要考虑到额外的需要。

站在使用者的角度上去考虑产品的功能，这才是真正的人性化。

无意识设计关注到的是人们平时自己都没有注意到的细节，因而人们在使用的时候往往觉得这种设计似曾相识，感到无比亲切。

通过对深泽直人的设计的分析，我们不仅了解到简洁的产品外形的魅力，也了解到了先进的设计理念。

联系实际，当今中国的产品设计水平还是比较落后的，大多数产品外观仍旧是过于繁琐，花里胡哨，甚至一些产品根本都是中看不中用。

总体上还是需要好好学习这些日本设计师的理念，技巧的。

怎样抓住机遇，顺应极简主义产品设计的趋势，仍旧是一个非常值得探讨的问题。

参考文献

[1]刘苏.从深泽直人设计风格解读极简主义新内涵[J].艺术与设计，2009，(7).

[2]黄燕妮.回归产品设计的本源——浅析深泽直人的设计思想和设计实践[J].装饰，2008，(11)

【拓展】极简主义摄影在招贴设计中创意表现论文

摘要 ：该文主要就极简主义摄影和招贴设计的创意表现相关理论进行探究，希望通过研究，为极简主义摄影和招贴设计的结合发展起到理论支持作用。

关键词 ：极简主义摄影;招贴设计;创意表现

极简主义摄影和招贴设计之间的关系，随着时代的变化逐渐拉近，摄影技术在招贴设计领域的应用，能突出招贴设计的创意。

在人们对招贴设计的多样化风格的追求下，极简主义摄影得到了重视。

加强对极简主义摄影的应用研究，能为设计的发展提供理论依据。

一、极简主义风格特征以及极简主义摄影和招贴设计的关系

1.极简主义风格特征体现

随着现代设计的发展，人们越来越重视简约化的设计风格。

在产品设计过程中，简约风格能够承载人们的精神关怀并突出人们的需求心理。

在简约设计手法的应用下，赋予产品对人的价值和意义，显示出人们精神层面的需求。

极简主义的应用体现出了人本主义的关怀。

现代设计往往关心设计作品的吸引力与个性，极简主义理念在设计中的应用，成为优化现代设计的重要设计思想。

2.极简主义摄影和招贴设计的关系

人们的思想观念随着时代的发展而不断转变，人们不满足于传统文化所带来的审美。

在招贴设计过程中，对极简主义风格的选择已经成为一种趋势。

极简主义要求一目了然，在瞬间表达出事物的信息。

在生活节奏不断加快的背景下，人们的思维不断变化，要求一目了然、去复杂化。

所以，极简主义摄影和招贴设计之间的距离拉近了，招贴设计在摄影技术的介入下，形成了现代招贴设计形式，这对招贴设计人员的创作思维也有一定的影响。

二、摄影和招贴的相通之处及极简主义摄影在招贴设计中创意表现

1.摄影和招贴的相通之处

招贴设计和摄影之所以能够产生联系，正是因为两者之间有相通之处。

摄影和招贴设计都是平面造型艺术，能够再现空间，并有着相同的视知觉规律与审美特性；同时，两者都是大众传媒媒介，在信息传达与艺术性两方面可以有机结合。

只有完成了信息传达任务，才能凸显其自身的价值。

摄影和招贴在技术特征上具有显著的复制性，作品是作者思想和表现手段的统一，在风格类型上也比较多样。

招贴设计和摄影作品的灵魂是创意，所以将两者进行有机结合具有可行性。

2.极简主义摄影在招贴设计中创意表现

将极简主义摄影融入招贴设计要注重创意表现，需要对其进行创新性思考。

其设计应用的精髓在于寻求简洁、强化视觉对比，以简洁化的视觉形象，获得简约而不简单的视觉效果。

可以将极简主义摄影视为一种设计构图，追求用最低限度的视觉感受阐述整体影像故事，以画龙点睛的方式让观者看见简单主题、大片留白下的影像重点。

极简主义摄影技巧往往需要打破常规摄影思维，主题重点可以偏离古典的黄金分割，有时与背景关系不大，甚至可以抽象取景为作品添上一笔。

极简主义摄影除了能以拍摄者的角度进行思考，也可以从观者面对影像内涵时所触及的想法出发，让画面内容不再呈现为以往那种讲述方式，而是赋予观者解读的自由，让观者以自己的方式思考。

将摄影与招贴设计进行结合，能充分展现摄影的艺术个性。

如，李西斯基是构成主义设计运动在平面设计领域的重要代表，其在招贴设计过程中突出构成主义的特征，主要表现在简单、明确上，以简明的纵横版面编排作为基础，字体采用无装饰线体，平面装饰基础是简单的几何图形和纵横结构，运用摄影蒙太奇设计插图与招贴。

图片的拼贴本来是达达主义比较常用的艺术手法，李西斯基在此基础上进行发展，在政治宣传招贴设计与制作方面广泛应用，将极简主义摄影融入招贴设计。

每种摄影的风格都有不同的表达方式。

极简主义摄影与招贴设计相结合，能够呈现出新的设计风格。

如，与李西斯基、罗钦科同时期的斯坦伯格兄弟是将摄影和招贴设计相结合的先行者。

在设计过程中，他们充分发挥对二维空间的高度敏感观念与意识，设计了大量的电影招贴。

其所设计的招贴中能够看到逼真的形象，通常通过坐标方格和放大投影的方法进行绘制。

在摄影照片的使用方面和李西斯基的摄影蒙太奇手法类似，将黑白照片形象组织进彩色招贴设计，颜色的运用通过构成主义的象征性色彩进行展现，这样就形成了不同平面的叠加，使招贴设计的视觉效果比较强烈。

在极简主义摄影的应用下，招贴设计的效果更为突出。

如，斯坦伯格兄弟设计的马布招贴就采用了这一方法进行设计创作。

斯坦伯格兄弟在招贴设计过程中对色彩和造型的应用，对后来的设计师产生了较大的影响。

结语

极简主义摄影在招贴设计中的应用需要从多方面引起充分重视。

文章对极简主义摄影在招贴设计中的应用进行探究，以期从理论上深化极简主义摄影的应用意义。

希望文章的研究成果能对招贴设计的发展起到促进作用。

参考文献：

[1]薛芬.创意——招贴设计的灵魂.南京工业职业技术学院学报，2004（2）.

[2]杨俊贺，吕文静.漫谈招贴设计创意.郑州铁路职业技术学院学报，2007（3）.

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素描和线描的区别

1、塑造手段不同

线描——中国画的主要造型手段。

线描是运用线的轻重、浓淡、粗细、虚实、长短等笔法表现物象的体积、形态、质感、量感、运动感的一种方法。

特点简练、清晰，可刻画各种现象。

素描使用单一色彩表现明度变化的绘画。

绘画工具而在画面载体上按照一定的绘制原则而有意塑造物体形态的美术活动。

速写是素描的一种变式。

素描水平是反映绘画者空间造型能力的重要指标之一。

2、表现效果不同

线描用单色线对物体进行勾画。

素描表现三大面、五大调的立体感。

扩展资料：

在中国绘画中,线描既是具有独立艺术价值的画种（白描），又是造型基本功的锻炼手段，还是工笔画设色之前的工序过程。

线描不仅可以勾画静态的轮廓，还可以表现动态的韵律。

用线和空白还可以谱写出一支支和谐流动的线的协奏曲。

中国历代画家对线有着深刻的认识和高超的创造，他们用千姿百态的线，抒发情感，描绘自然，使“线”在艺术作品中有独特的魅力。

线描也叫白描，即单纯的用线画画，在线描中线条可以有许多变化，如长短、粗细，曲直、疏密、轻重、刚柔和有韵律等。

线描写生要注意把物象的前后遮挡关系表现正确，一般来讲，在画面中近处物体的基线应比远处物体的基线低。

为了更好地表现出线条的美感，我们在写生中不能看到什么就画什么，应该通过比较和感受进行有目的地取舍与提炼、加工。

常用的线条有直线、弧线、曲线和折线。

素描是绘画的基础，绘画的骨骼；也是最节制、最需要理智来协助的艺术。

初学绘画的人一定要先学素描，素描画得好的人，油画自然画得好。

素描的起源，普遍都是以文艺复兴开始，事实上希腊的瓶绘、雕塑都有良好的素描基础。

初期的素描是视为绘画的底稿，例如作壁画先要有构想的草稿，然后有素描的底稿，同时也要有手、脸部分精密素描图。

作壁画习惯上是不看模特儿写生的，完全要靠事先准备的习作素描和画家的记忆。

近代素描，已脱离了原来的底稿和习作的地位，可以成为艺术品来欣赏。

画素描的态度不只培养描写力，同时也培养造型的能力，最后仅仅是素描也可视为作品来欣赏。

相反的单看油画作品就可知道作者在素描上的造诣如何。

因此，素描是绘画的基础，也是绘画的骨骼，是初学画的人无论如何要先认真学素描。

素描在严格的解释上，只有单色的黑与白，但如加上淡彩或颜色，仍可认作素描。君友会美术文献依素描的表现方法分成：

一、以描画材料来看可分成木炭素描、铅笔素描、炭精素描、钢笔素描、银笔素描、毛笔素描等。

二、以所画的题材可分成石膏像素描，风景素描，静物素描、人体素描、幻想素描。

三、依素描的目的又可分成作为构想的素描、用作画稿的素描、速写、作品、习作。